Salvador Dalì

Salvador Dali è tra gli artisti più versatili e prolifici del XX secolo. Anche se principalmente ricordato per la sua produzione pittorica, nel corso della sua lunga carriera ha girato con successo alla scultura, incisione, la moda, la pubblicità, la scrittura, e, forse il più famoso, il cinema nelle sue collaborazioni con Luis Bunuel e Alfred Hitchcock. Dali era noto per la sua personalità esuberante quanto per il suo innegabile virtuosismo tecnico. Nel suo uso precoce della morfologia organica, la sua opera porta l'impronta dei compagni spagnoli Pablo Picasso e Joan Miró. I suoi dipinti evince anche un fascino per l'arte classica e rinascimentale, chiaramente visibile attraverso il suo stile iper-realistico e simbolismo religioso del suo lavoro successivo. Dali è più spesso associato con il movimento surrealista, nonostante la sua espulsione formale dal gruppo nel 1934 per le sue idee politiche reazionarie.

Teoria freudiana alla base tentativi di Dali a forgiare un linguaggio formale e visivo in grado di rendere i suoi sogni e le allucinazioni. Queste rappresentano alcune delle immagini iconiche e ora onnipresenti attraverso cui Dali raggiunto enorme fama durante la sua vita e oltre.
Temi ossessivi di erotismo, morte, e il decadimento permeano l'opera di Dalì, che riflette la sua familiarità con e sintesi delle teorie psicoanalitiche del suo tempo. Sulla base di materiali e di infanzia palesemente autobiografici ricordi, l'opera di Dalì è piena di simbolismi, spesso pronto-interpretato, che vanno dai feticci e le immagini degli animali per i simboli religiosi.
Dali sottoscritto alla teoria di automatismo surrealista di André Breton, ma alla fine ha optato per un metodo di toccando dell'inconscio che egli definiva "paranoia critica", uno stato in cui si poteva coltivare illusioni, pur mantenendo la propria sanità mentale. Paradossalmente definito da Dalì stesso come una forma di "conoscenza irrazionale," il metodo paranoico-critico è stato applicato dai suoi contemporanei, per lo più surrealisti, ai mezzi di comunicazione diversi, che vanno dal cinema alla poesia alla moda.

La diversità delle opere e i diversi Stili

Bagnante (1925)

Olio su tela - Collezione privata

Questo elegante lavoro è un ottimo esempio di primi tentativi di Magritte a trovare uno stile illustrativo sobrio. Si regge il confronto con l'Espressionismo belga contemporaneo ed anche con gli stili modernisti classicheggianti che erano poi popolare in tutta Europa. Possiamo riconoscere molti degli elementi che hanno caratterizzato i suoi dipinti più tardi, come ad esempio l'importanza del mare e la sfera misteriosa in background. Questo lavoro porta anche l'influenza delle incursioni professionali di Magritte nel mondo della pubblicità di moda, e il suo interesse per le opere di Fernand Léger. Bagnante può essere paragonata alla sua pittura La Bagnante tra Luce e Tenebre (1935-1936), che esplora la stessa scena in stile maturo dell'artista. Nel 1930, l'artista donò l'immagine alla sorella-in-law, Leontine Berger.




Oggetti familiari (1928)

Olio su tela - Collezione privata

Qui, lo spettatore si trova di fronte da cinque uomini - o forse cinque viste dello stesso uomo - ciascuno dei quali corrisponde a un oggetto apparentemente casuale. Questi ritratti blando con i vestiti indistinte, le caratteristiche e le espressioni sono caratteristici di Magritte. Gli oggetti, d'altra parte, sono unici e comando più attenzione rispetto alle figure che guardano senza capire a loro. Diverse immagini che precedono questa attestano Magritte di interessati a raffiguranti oggetti nel suo lavoro, ma questo è il primo in cui gli oggetti appaiono accanto a figure e sono associati con gli stati mentali di quelle figure. A questo proposito si dimostra il crescente interesse dell'artista per l'idea surrealista dell'inconscio. Magritte modo di porre gli oggetti in relazione alle figure anche gli permise di occludere parzialmente loro facce, una strategia che avrebbe spesso impiegare nel lavoro successivo.




Il tradimento delle immagini (1929)

Olio su tela - Los Angeles County Museum of Art

Il tradimento delle immagini evidenzia abilmente il divario tra linguaggio e significato. Magritte unito le parole e le immagini in modo tale che ci costringe a mettere in discussione l'importanza della frase e la parola. "Pipe", per esempio, non è più un tubo reale di una foto di un tubo può essere fumata. Magritte probabilmente preso in prestito il motivo tubo dall'architettura libro Vers une di Le Corbusier (1923), dal momento che era ammiratore dell'architetto e pittore, ma può anche essere stato ispirato da un segno comico che conosceva in una galleria d'arte, che diceva, "Ceci n'est pas de l'Art ". Il dipinto è oggetto di un famoso libro-analisi di Michel Foucault. Si potrebbe anche confrontare con Joseph Kosuth gestione di un simile problema di immagine, testo, e la realtà nei suoi 1965 installazione Una e tre sedie.





L'oceano (1933)

Olio su tela- collezione privata

I colori vivaci e casuali pennellate  di questa perano, caratterizzano una serie di immagini satiriche , che Magritte dipinse in stile tardo Pierre-Auguste Renoir, le cui immagini erano destinate a prendere in giro i gusti conservatori del pubblico francese. La posa del dio fiume in questa immagine prende in prestito direttamente da un'opera tarda di Renoir. Come la seconda guerra mondiale si è conclusa, si allontanò dai soggetti più macabri di surrealismo e abbracciò una tavolozza luminosa e, come diceva lui, "i soggetti ammaliante." L'artista ha scritto che voleva dipingere quadri "che suscitassero ciò che resta del nostro istinto per piacere." Tre anni dopo, nel 1946, ha firmato il manifesto Surrealismo in pieno sole che i suoi amici belgi avevano scritto di delineare tali principi. Ma le immagini in questo stile ha attirato numerose critiche dai suoi amici surrealisti.

Il Pebble (1948)

Olio su tela, collezione privata

Il Pebble è stato incluso nella prima mostra di Magritte a Parigi nel 1948, dove ha scioccato critica e pubblico con un gruppo insolito delle sue opere "vache". Questo gruppo di una trentina di immagini è stato dipinto rapidamente in poche settimane. E 'preso in prestito dallo stile abbozzato di fumetti e caricature, ma alcuni elementi sono stati anche derivati da Edouard Manet e fauvismo (lo sfondo in questa immagine può venire da Henri Matisse). Esso prende in prestito anche il motivo Venere di Milo che Magritte aveva usato prima. Forse, purtroppo, per l'artista, la mostra ha raggiunto il suo effetto perverso, ed era sia finanziariamente critica devastante per lui. Tuttavia, è rimasto attaccato al lavoro, e in seguito ha dato questo pezzo a sua moglie.




L'impero delle Luci (1953-1954)

Olio su tela, Guggenheim di Venezia

L'impero delle luci esemplifica il tipo di semplice paradosso che caratterizza le opere di maggior successo di Magritte. Crepuscolo è caduto nella metà inferiore dell'immagine e un lampione illumina pacificamente. Sopra, allegre nuvole bianche appendere in un cieloblu. Anche se entrambi gli elementi della notte e del giorno sono calmante e incantevole considerati da soli, la loro giustapposizione è lugubre e inquietante. Tale resa semplice del perturbante, deve certamente qualcosa all'esperienza dell'artista lavorare in grafica pubblicitaria. Lo stile e la gestione della vernice - sobrio e illustrativo - potrebbero anche essere stati ispirati dal accento sulla chiarezza e l'impatto in grafica pubblicitaria.

Renè Magritte, un artista, uno stile.

Renè è sicuramente il più celebre artista belga del XX secolo,  ha ottenuto grande successo popolare per il suo approccio idiosincratico al Surrealismo. Per mantenersi ha trascorso molti anni lavorando come artista commerciale, ha prodotto pubblicità, e questo ha, molto probabilmente, plasmato la sua arte, che spesso ha l'impatto componendo un annuncio. Mentre alcuni surrealisti francesi conducevano una vita ostentato, Magritte ha preferito la quiete in anonimato di una vita borghese, una vita simboleggiato dagli uomini bombetta che spesso popolano i suoi quadri. Negli anni successivi, fu castigato dai suoi pari per alcune delle sue strategie (come la sua tendenza a produrre più copie di suoi quadri), ma dopo la sua morte la sua reputazione è migliorata solo. Artisti concettuali hanno ammirato il suo uso di testo in immagini, e pittori nel 1980 ammirato il tratto provocatorio di alcuni dei suoi lavori più tardi.


Magritte voluto coltivare un approccio che evita le distrazioni stilistici della più pittura moderna. Mentre alcuni surrealisti francesi sperimentavano nuove tecniche, Magritte si stabilì su una tecnica illustrativa impassibile, per arricchirli, chiaramente articolava il contenuto dei suoi quadri. Ripetizione è una strategia importante per Magritte, non solo nella gestione di motivi all'interno di singole opere, ma anche incoraggiandolo a produrre più copie di alcuni delle sue più grandi opere. Il suo interesse per l'idea potrebbe provenire in parte dalla psicoanalisi freudiana, per cui la ripetizione è un segno di trauma. Ma il suo lavoro in grafica pubblicitaria può aver avuto un ruolo in spingendolo a mettere in discussione la fede modernista convenzionale unico, un'opera d'arte originale.
La qualità illustrativo delle immagini di Magritte si traduce spesso in un potente paradosso: le immagini che sono belle nella loro chiarezza e semplicità, ma che provocano anche pensieri inquietanti. Sembrano dichiarare che nascondono un mistero, eppure sono anche meravigliosamente strana.

Magritte era affascinato dalle interazioni di testuali e segni visivi, e alcuni dei suoi più celebri immagini impiegare entrambe le parole e le immagini. Mentre quelle immagini spesso condividono l'aria di mistero che caratterizza gran parte del suo lavoro surrealista, spesso sembrano motivate più da uno spirito di ricerca razionale - e meraviglia - le incomprensioni che possono annidarsi nel linguaggio.

Gli uomini in bombetta che spesso appaiono nei quadri di Magritte possono essere interpretati come autoritratti.
Rappresentazioni della moglie dell'artista, Georgette, sono comuni anche nel suo lavoro, come lo sono scorci di modesto appartamento della coppia di Bruxelles. Anche se questo potrebbe suggerire il contenuto autobiografico nei quadri di Magritte, più probabili punti ai sorgenti banali della sua ispirazione. È come se credesse che non abbiamo bisogno di guardare lontano per il misterioso, dal momento che si annida ovunque nel più convenzionale di vita.

René Magritte-Golconda

In quest’opera Magritte moltiplica a quasi copiando e incollandopiù volte il famoso personaggio presente in molte altre sue opere, caratterizzato dal tipico vestito e dalla bombetta neri. Il paesaggio, composto da case e tetti tipicamente belga e da un cielo opaco e senza nubi, è ancora una volta caratterizzato da un realismo elementare. 
Su questo sfondo i personaggi, completamente identici fra loro se non per la direzione degli sguardi e per la loro lontananza e quindi gradezza, sembrano piovere dal cielo come candidi fiocchi di neve. 
Non vi è dubbio alcuno circa la magia e la dolcezza poetica, quasi sognante dell’immagine. 
Un’immagine che ci lascia perplessi e disorientati: “Com’è possibile e come si spiega questa pioggia umana?”. O forse si tratta di un volo, di un elevazione? Gli ometti neri stanno lentamente risalendo verso il cielo oppure stanno candidamente fioccando dallo stesso? Questo è uno dei tanti misteri racchiusi nel dipinto analizzato che probabilmente nessuno riuscirà mai a chiarire. In ogni caso, quello che si può dire è che vi è una frantumazione di ogni regola fisica e matematica che ci lascia quasi in imbarazzo, dato che rompe ogni nostra certezza riguardo alla consistenza e al peso dei corpi. 
Un’altra domanda che può sorgere guardando il dipinto è: che ruolo ho io? Sono forse uno dei tanti ometti omologati sospesi fra cielo e terra? La risposta crediamo sia sì. Infatti, se si presta attenzione a come è tagliata l’immagine, ci accorgiamo che le case non sono viste per intero (come è normale che sia se fossimo con i piedi ben saldi a terra) bensì solo la loro metà superiore ci appare visibile. 
Un’ipotesi plausibile è che noi facciamo parte dell’opera nella maniera in cui siamo nientedimeno che un altro di quegli uomini neri. 
Altro dettaglio importante da non trascurare: le ombre proiettate sia sui tetti che sugli edifici e le sagome in lontanaza. Taluni affermano che anch’esse possano essere semplici ombre proiettate su di un cielo che non è un cielo, ma semplicemente la sua rappresentazione bidimensionale su tela. Questo sarebbe giustificato poiché, come ben sappiamo, un’ombra può essere proiettata solo su di una superficie solida, in questo caso appunto la tela. A nostro avviso l’ipotesi và però scartata per più motivi. Uno di questi è la quantità di sagome rispetto al numero di persone presenti nello spazio che separa l’osservatore dalle case. Se fossero davvero delle ombre ve ne sarebbero molte di meno ma soprattutto andrebbero rispettate le loro dimensioni rispetto alla distanza; cosa che non accade dato che le sagome sul fondo sono tutte di eguali dimensioni. Ulteriore motivo è il fatto che, se ci avviciniamo alla tela e ne cogliamo i dettagli, notiamo che le figure presentano, seppur lievemente, alcune tonalità di rosa al livello del volto, elemento questo che ci permette di escludere quasi certamente che di ombre si tratti. Come già detto in precedenza resta il fatto che l’analisi di un’opera simile è molto soggettiva, tantopiù che Magritte stesso affermava di sentirsi meno fortunato di chi era convinto di avere la giusta analisi o la corretta chiave di lettura per risolvere quell’enigma espresso a pennello e racchiuso su tela.